Sommer, Ferien, Reisen, Touristenzeit, Sonne, Wasser, Entspannung, Laissez-faire, das Gute Leben, alles scheint ein bisschen leichter, netter, freundlicher und angenehmer. Nicht nur Berlin blüht im Sommer richtig gehend auf, das Leben verlagert sich auf die Strassen (-cafes) und Outdoorclubs, an den Strand und in Parks, die ganze Nacht über mit angenehmeren Temperaturen, versammeln sich am Kanal in Kreuzberg Leute aus Aller-Herren-Länder um friedlich zusammen Musik zu machen, sich auszutauschen und zu feiern. Hippiezeiten lassen grüssen.

Martin Dammann – international erfolgreicher Künstler, in Friedrichshafen geboren – zeigt uns eine Studie zu einem seiner riesigen Aquarelle, die auf alten Fotografien basieren. Eine Idylle auf dem Wasser, ein flossähnliches Boot in voller Fahrt auf glitzernden Wellen, aus der Luft betrachtet. Man sieht Personen die sich verlustieren, aber nein: die Idylle trügt, es ist ein von Flugzeugmotoren betriebener Katamaran, ein Kanonenboot-Prototyp des Zweiten Weltkriegs. Mit seinen Arbeiten rückt er geschönte Erinnerungen zurecht.

Thomas Kleinschmidt zeigt bereits zum zweiten Mal einige Malerei-Collagen der Serie "Bloody Tourist". Auf einer seiner Reisen in Asien überarbeitete er typische Postkarten mit allerlei Materialien, aus landestypischen Verpackungen und anderem Sammelgut und übermalte die Motive. Er holt damit neue Inhalte und Zusammenhänge bezüglich Tourismus und Verhalten ans Licht.

Das Medium des in Berlin lebenden portugiesischen Künstlers Jorge Lopes ist die Malerei. Er zeigt eine seiner wundervollen abstrakten Raumerfindungen, die an eine sommerliche Landschaft am Wasser, an Spiele am Strand, an "easy going" erinnern.

ETAW, das Künstlerkollektiv Lopes – Kasperavicius, benutzt Fundstücke, Weggeworfenes, auf der Strasse Entsorgtes, um daraus neue Objekte zu gestalten. Sie beteiligen sich mit einem Segelboot Modell. Daneben zeigen sie aus meiner Sicht einen nächtlichen Vollmond der uns zu bezaubern weiss – aber wie es bei Künstlern so ist, haben sie dieses Stück als Doppel-Selbstportrait geschaffen mit dem Titel "zwei Galaxien umschwärmen ein Wurmloch" und katapultieren uns ins Weltall, in andere Dimensionen.

Bereits zum vierten Mal in der Vitrine-FN zu sehen ist Karsten Konrad, Professor für Bildhauerei an der Berliner UdK, mit einer untergehende Sonne hinter Wellen in die Vitrine, metallisch hell und blendend. Gleichermassen eine Reminiszenz an chromglänzende Cabriolets. Eine weitere Arbeit ist ein Relief mit Segelboot, aus farbigen Holzteilen zusammengebaut.

Hubi W. Jäger zeigt Ausschnitten aus der Fotoserie "sex in the city" – sommerliche Impressionen der besonderen Art aus Berlin.

Ich hoffe dass Ihr Interesse geweckt wurde und freue mich auf Ihren Besuch.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 12. August 2016 bis 11. Oktober 2016
täglich 24 Stunden.

Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

"Martin Dammann"

"ETAW"

"Thomas Kleinschmidt"

"Karsten Konrad"

"Jorge Lopes"

"H. W. Jäger"

Bereits zum dritten Mal gibt's in der Vitrine-FN parallel zur Fussball-EM eine Ausstellung zum Thema Kunst und Fussball.
Es werden drei original Exemplare der WM-2006-Edition zu sehen sein.
Tobias Rehberger – Kwesi Owusu-Ankomah – Beatriz Milhazes
und die Werke der anderen 14 beteiligten Künstler in klein.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 3. Juni 2016 bis 9. August 2016
täglich 24 Stunden.

Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

© aller Bilder: FIFA

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Street Art und Graffiti sind in Friedrichshafen doch eher unbekannt und auch kaum präsent und sichtbar. Wenn, dann wird sie wohl eher als ein Ärgernis oder gar als krimineller Akt betrachtet. 
Damit entgeht aber den Menschen ein heute wesentlicher Teil neuer Kultur. Urban Art ist kein Schmutz, keine Verunstaltung sondern Ausdruck partizipatorischer Kunst, ist Zeitgeist, Information und manchmal politisches Statement, die „Wandzeitung“ von heute. 
Sie bedient sich an aktuellen, auch politischen Bild- und inhaltlichen Quellen jeder Art, Werbung neben Zitaten der Kunstgeschichte, ebenso wie an eigenen Themen, Beobachtungen und Geschichten. 
In grossen Städten wie Berlin beherrschen Graffiti, Sticker, Stencils, Bilder, Plakate, Cut Outs und Tags ganze Stadtteile, sind allgegenwärtig und auch Teil der Kommunikation. Sie vermitteln Informationen, Meinungen, Botschaften. Sie erzählen vom Leben, Denken und Empfinden der Menschen. Sie ist für jeden sichtbar, ohne die Hemmschwelle des geschlossenen Kunstraums. 
Sie beleben und vertreiben die graue Tristesse der Mauern.
Es handelt sich um eine urbane zeitgenössische Kunstform die inzwischen auch im Museum und hochpreisigen Kunstmarkt angekommen ist und bei Auktionen die Millionengrenze erreicht hat. 

EMESS nimmt für seinen politischen Ansatz Bildnisse bekannter Personen von Geldscheinen und stellt dies mittels poppigem Overlayering aus Mustern und inhaltlich passenden Symbolen in einen neuen Kontext. So steht Nelson Mandela neben Gaddhafi und man begreift wie schnell sich die Grenze zwischen Rebell, Tyrann und Staatsmann verschieben kann.
Auch in anderen Arbeiten erschliesst sich schnell ein gesellschaftlicher Zusammenhang, wie bei „Campbells“. Aus zwei gefundenen Texttafeln wird eine, die eine Assoziation an „DDR-BRD“ und die Wiedervereinigung ermöglicht.

Darüber hinaus realisierte er zusammen mit ERRORIST die auf zwei Fotografien dokumentierte leicht blasphemische Aktion am Kreuz, passend zu Ostern. 

INNERFIELDS ist eine Künstlergruppe die Themen aus Gesellschaft und Leben adaptieren und künstlerisch umsetzen. Sie machen auch Auftragsarbeiten, manchmal ganze Brandwände, mit ironisch besetzten Sprüchen wie „arm aber sexy“, kombiniert mit allseits bekannten (Werbe)Bildern mit ikonischem Charakter. Hier zeigen sie ironisch die überall ins Auge fallende Smartphonepräsenz, um nicht zu sagen Wahn, in Berlins Bahnen sitzt die Mehrheit der Leute darin versunken, hier der Papst.

BRAD DOWNEY stellt mit seiner Arbeit die notwendigen Fragen im Zusammenhang von Überwachungswahn, Freiheit und Sicherheit.

310 SQUAD ist eine Künstlergruppe aus Russland, die sich mit Macht, Einfluss, Krieg und Unterdrückung und den entsprechenden Personalien beschäftigen.

UNAI bedient sich am vorhandenen Bildfundus aus Illustrierten und Werbung und collagiert diese mit seiner Malerei und Gesprühtem, landet damit mitten in der Kunst, zwischen Abstraktion und Collage.

Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem beteiligten Künstler EMESS.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 25. Februar 2016 bis 29. März 2016
täglich 24 Stunden.

Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

"ATM Berlin / EMESS"

Zum Jahresende bietet die Vitrine-FN Editionen des Betreibers und Künstlers Hubi W. Jäger an.?

Passend zur Jahreszeit sind es zauberhafte Lichterscheinungen die aus dem Dunkel der Nacht aufleuchten… aus der umfangreichen Fotografie-Serie der "Illuminationen".
Daneben gibt es einige Exemplare aus dem Konvolut
"Berlin-Absurdistan".

Ein bezauberndes romantisches Bild als Geschenk.

Diese Editionen gibt es in zwei Formaten:?
jeweils auf Aludibond aufgezogen:
40 x 60 cm – 300 €
20 x 30 cm – 150 €

Die "Illuminationen" gibt es auch als Malerei,
Öl auf Leinwand 130 x 195 cm – 4000 €
rund 380 Motive umfasst diese Serie inzwischen. Einige davon sind im Internet zu sehen

Die laufende Ausstellung "Notationen" bleibt weiter zu sehen, bis Ende 2015.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 26. November bis 29. Dezember 2015 – täglich 24 Stunden.
Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

"Illuminationen"

Jeder, der in Berlin zu Vernissagen geht um Kunst zu sehen, zu entdecken, ist mit Sicherheit im Laufe der Zeit Hubi W. Jäger begegnet, denn er sieht sehr viel – rund 750 Ausstellungen im Jahr. Man sieht ihn dann Notizen machen, meist auf kleinen hemdtaschengerechten Handzetteln und fragt sich was da wohl notiert wird. Mancher unterhält sich mit ihm und stellt fest, dass er auf ein lebendes Berlin-Kunst-Archiv getroffen ist.

Für Hubi W. Jäger selbst, ist es Dokumentation, ein Blick auf den Berliner Ausstellungsbetrieb, vor allem auf die Künstler und ihre Werke, die Galerien, die kommen und gehen. Ein sicherlich obsessiver Blick auf die Kunstszene – aber eine künstlerische Arbeit?

Es gibt eine Reihe von Menschen, oft selbst Akteure und Insider, die der Meinung sind, dass dies eine grossartige künstlerische Arbeit darstellt und unbedingt gezeigt werden muss. Dieses obsessive Schauen, das Sammeln von Terminen, Einladungen, Karten, Texten, das Erstellen eines möglichst umfassenden Archivs und die vielen Notizen zu den einzelnen besuchten Ausstellungen gelten ihnen als performativer Akt, Aktion, als künstlerische Handlung, Obsession als künstlerische Triebfeder. Sie sind angesichts der langen Jahre in denen Hubi W. Jäger diese Tätigkeit betreibt äusserst beeindruckt und überzeugten ihn diese Präsentation zu realisieren.
Immerhin umfasst HWJs Ausstellungsarchiv eine Zeitspanne von rund 35 Jahren, die Notizen begannen vor rund 30 Jahren und werden kontinuierlich fortgesetzt, Terminbücher, anfangs Listen, gibt es seit 1987.

Archive und das Arbeiten mit Archiven ist seit einigen Jahren in den künstlerischen Fokus gerückt und Teil der künstlerischen Praxis geworden, Harun Farocki hat sein filmisches Schaffen als Archiv angelegt, er ist wie Alexander Kluge mit seinen „Nachrichten aus der ideologischen Antike" auf der „All the worlds futures“ Biennale in Venedig vertreten, auch Taryn Simon arbeitet archivarisch und Zielonys Zeitungsdokumentation im deutschen Pavillon kann ebenso eingeordnet werden. Bei der letzten BerlinBiennale benutzte Atoui das Musikinstrumentenarchiv des Ethnologischen Museums für seine Arbeit. Auch Gerhard Richter erstellt in den 70er/80er Jahren seinen „Atlas“ – ein Bild/Foto-Archiv, so wie viele Künstler eines haben. Aby Warburg lässt sich vielleicht als Vater des künstlerischen Archivs in der Moderne bezeichnen. Die Reihe ließe sich leicht erweitern.

Was gibt’s nun real zu sehen in der Vitrine-FN?
Zunächst, aus der Ferne, nimmt man eine transparente schwebende Wolke wahr, viele Plastikorderhüllen füllen den Raum, aus der Nähe erkennt man in jeder einzelnen Notizzettel, von kleinen Schnipseln bis zu mehrseitigen A4 Blättern, 176 Hüllen für die ebenso viele Tage des Jahres 2013 an denen HWJ unterwegs war in „Sachen Kunst“. In kleinster fiebriger Schrift darauf die „Notationen“, grün die Künstlernamen und Galerien, schwarz die Kommentare, rote Markierungen für das was gefallen hat oder für Parties bei Kunst, Mode, Film oder anderen „wichtigen“ Ereignissen.
Auf dem Boden liegen Fotografien – Einblicke von schräg oben in die Archivkisten 2013 mit all den chronologisch geordneten Einladungskarten, Galerietexten, Pressemappen. Eigentlich stehen die Kisten zum Blättern und Nachlesen zur Verfügung, ein nachträglicher „Rundgang“ durch ein Berliner Kunstjahr. Dies ist hier in der geschlossenen Vitrine leider nicht möglich.
Auf einer Stele dann das aufgeschlagene Terminbuch mit den vielen Daten und Orten jedes Tages, die er akribisch und umfassend aus verschiedenen Quellen zusammen getragen hat.
So schliesst sich der Kreis – Sammeln der Termine – Sammeln und Archivieren der Informationen – persönliche Notationen vor Ort.
Das ganze auch ein Recherche-Instrument.
Aber auch eine sinnliche Installation.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 15. Oktober bis 24. November 2015 – täglich 24 Stunden.
Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

"Hubi W. Jäger"

Künstler die sich mit dem Thema Natur beschäftigen, aus verschiedensten Blickwinkeln und Ansätzen, mit unterschiedlichsten Techniken und Materialien, im gesamten stilistischen Spektrum. Zwischen altmeisterlich realistischer Malerei, Pop Art, Psychedelischer Kunst, Abstraktion, Narrativem, Konzeptkunst und politischer Intervention.

Natur – die Grundlage allen Lebens, deren Teil wir sind, ist so selbstverständlich da, dass wenige darauf achten und sie schützen. Wir sehen sie als gegeben, idealisieren sie, schwelgen ob ihrer Schönheit. Und doch benutzen wir sie, beuten sie aus, kultivieren, gestalten und verändern sie nach unserem Gutdünken bis hin zur Zerstörung.

Unendliche Diskussionen, wissenschaftliche Analysen, theoretisches Verständnis – aber real bestimmen kommerzielle Zwänge und setzen sich über Erkenntnis, Einsicht und Notwendigkeit hinweg.

So kommt es, dass Künstler ihren eigenen, speziellen Blick darauf werfen, damit arbeiten, sie ebenso benutzen und bearbeiten, allerdings auf eine ganz andere Art und Weise.

Das reicht von traditioneller Landschaftsmalerei zu Abstraktion und Stilisierung, Konzepten und „Landart Projekten“ mit Eingriffen in selbige seit den 60er Jahren, zu verschiedenen anderen heutigen Ansätzen. Diese reichen von akribischen Bestandsaufnahmen im meist urbanen Umfeld mit soziologischem Blick auf den Topos, zu Umdeutungen und eigenen Interpretationen, Horror und Fiktionen und Geschichtliches mit Bezug zur heutigen Krise. Nature Morte wird gedeutet, bildlich umschrieben und dargestellt, uns vor Augen geführt. Wir finden Nachahmung und künstlerische Annäherung, auch als kritischer Ansatz zum Verständnis der Welt und der Zusammenhänge oder auch humorvoller Art. Bis hin zu „künstlichen Welten“ die virtuell am Computer entstehen, uns angesichts der Zukunft fasziniert erschauern lassen. Zwischen Schönheit und und Technikkritik, denn Pixel können wir nicht essen. Und wir sind unmittelbar auf die Natur und Umwelt angewiesen, es gibt keine zweite Erde für uns.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 10. Juli bis 25. August 2015 – täglich 24 Stunden.
Teil II ab 27. August

Friedrichshafen – obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

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Ein Bild, eine Fotografie, eine Erscheinung, Illumination –
Schrift, Licht, Reflektionen, Verzerrung, Schichtungen, Graffiti –
was ist das? Ein Blick in unsere urbane Umgebung, unser Leben, unser Tun und Sein… Ein Bild, ein fotografischer Print.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 21 Mai bis 7. Juli 2015 – täglich 24 Stunden.

Friedrichshafen
obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

"Illumination 212f"

Die Vitrine-FN#20 zeigt im April sehr viele bekannte und auch weniger bekannte Künstler mit Kleindruckwerken – beispielsweise Poststücke, Mitteilungen oder Geschenke, Plakate, Einladungskarten der besonderen Art, die in ihrer Art der Gestaltung direkt auf das künstlerische Werk der Protagonisten verweisen.
Zu sehen sind speziell zum Anlass gestaltete Karten, auch Sieb- und Linoldrucke, Collagen, Assemblagen, Objekte, Multiples, Cut-Outs, Ephemera, sowie in Serie Gemaltes und Unikate von insgesamt 108 Künstlern.
Ein Ausschnitt aus einer privaten Sammlung von 1985 bis heute.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 2.April 2015 bis 19.Mai 2015 – täglich 24 Stunden.

Friedrichshafen
obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

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Sterne, Herzen, Eis – zum Advent und Jahresende –
zu diesem Jahresende zeigt die Vitrine-FN einige günstige Editionen des Betreibers und Künstler Hubi W. Jäger.
Passend zur Jahreszeit sind es zauberhafte Lichterscheinungen, Sterne und Herzen, die aus dem Dunkel der Nacht aufleuchten…
aus dessen umfangreicher Serie von Fotografien, den "Illuminationen".
Ein bezauberndes romantisches Bild als Geschenk.

Die Editionen gibt es in zwei Formaten:
40 x 60 cm auf Aludibond – 250 €
20 x 30 cm “ “ 150 €

Man kann diese Motive – so wie weitere 380 aus der Serie auch als Malerei bekommen:
130 x 195 cm Öl auf Leinwand – 4000 €

Illuminationen sind zwei Serien von abstrakten Bildern, Malerei in Öl bzw. Fotografien, mit Formaten zwischen 130-200 cm. Nun gibt die Editionen von 20×30 cm bis 60×90 cm . Es gibt auch ein Videoloop (5min.) aus einigen weiterbearbeiteten Fotografien.
Der Ausgangspunkt der fortlaufenden Bilderreihe ist ein fotografischer. Bereits der Titel Illuminationen verweist auf deren Ursprung: Licht, Beleuchtung, Inszenierung, Feier, – auf in Licht-setzung. Licht ist die Voraussetzung von Farbe und Sehen überhaupt und somit auch von Malerei und Fotografie.
Die lebensnahen Situationen, im Zusammenhang mit exzessiven, aufwendig inszenierten Parties und Empfängen, erfordern einen Umweg: das Mitnehmen der Bilder mit Hilfe von Fotografie und sie ermöglichen gerade deswegen diese atmosphärischen Spielereien, die zu den hier gezeigten Ergebnissen führen – abstrakte Lichtspiele mit einem realem Hintergrund aus dem urbanen Leben, Alltag und Umfeld, transformiert in Malerei. Sie erzählen von Berlins Nächten, an- und aufregenden Begebenheiten, Begegnungen voller Genuss und Euphorie. Sie lassen Berlin leuchten und schimmern wie noch nie gesehen. Sie lassen die Stadt als ein großes Environment erscheinen.
In der taz wurde Hubi W. Jäger deswegen als „Magier des Lichts“ bezeichnet
(B. Werneburg). Seine Bilder erzählen von Glamour und lassen gleichzeitig dessen Schattenseite, den Absturz, erahnen. Sie schlagen den Bogen von den 20er Jahren, Fotografie, Experimenten, wie z.B. von Raoul Hausmann, Erich Comeriner, Moholy-Nagy, ja auch von Lesser Ury’s Nachtbildern zu heute.
„Die Bilder liegen auf den Straßen der Stadt“, sagt Hubi W. Jäger, „sie lauern an jeder Ecke auf uns“. Der Künstler ist ständig in der Stadt unterwegs – ein Flaneur, ein Connaisseur ihrer Schönheit und Hässlichkeit, Extasen, Abgründe, ihres informativen Gedächtnisses. Wir müssen nur hinsehen und bereit sein, sie zu erkennen, zu finden. Genau dies ist sein Arbeitsprinzip. Die Dinge gaukeln uns etwas vor, sie verwirren uns und unseren Blick auf die Welt. Er fordert uns auf, wieder hinzusehen – hinter die Dinge und den Alltag zu blicken.
Ein Leben zwischen Glamour und Trash. Hubi W. Jäger ist ein Spurensucher, ein neugieriger Beobachter, ein Entdecker unserer urbanen Um-Welt, ein zeitgenössischer Stadtarchäologe mit Blick auf die kulturellen und politischen Schichten, der verlorenen oder plakatierten Jetzt-Zeit. Ein Augenöffner.
Und doch sind alles nur Bilder.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 28. November 2014 bis 31. Dezember 2014 – täglich 24 Stunden.

obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

Hubi W. Jäger
"
Illumination 260f"

Die vitrine-fn zeigt in der neuen Ausstellung Papierarbeiten aus dem ersten Jahr des Internet-Projekts www.blattformer.de.

www.blattformer.de ist ein Bilder-Blog, den die Künstler Peter Freitag und Ruprecht Dreher vor 5 Jahren initiiert haben, um eine kontinuierliche Veröffentlichung von Papierschnitten – einen Papierfluss aus künstlerischen Arbeiten, die Papier traktieren und modellieren (z.B. Collagen, Faltungen etc.) – herzustellen.
Im ersten Jahr (26.10.2009 – 25.10.2010) hatten sich Ruprecht Dreher und Peter Freitag selbstverpflichtet, wechselweise täglich einen Scherenschnitt zu erzeugen und ins Netz zu stellen: „THE DAILY CUT“ – 365 Blätter sind dabei heraus gekommen! Eine beeindruckende virtuelle Blattwand, die nun in Auszügen in der Vitrine-FN analog an die Wand gepinnt zu sehen sein sein wird.

Seit dem zweiten Jahr laden sie regelmäßig andere Künstler zur Mitarbeit ein. Die Plattform verbreitet sich als Blog im Internet, sowie über Facebook und hat mittlerweile zahlreiche Abonnenten, die sich regelmäßig auf dem Schreibtisch ihres Rechners von schnittfrischen Papierarbeiten überraschen lassen. Neben der Verbreitung von Kunst ist es erklärte Absicht, Wege einer möglichst direkten Vermarktung von Kunstwerken zu praktizieren und zu entwickeln. Die Künstler machen bei jeder Veröffentlichung einer neuen Papierarbeit im Netz ein äußerst attraktives Kaufangebot, um Aufmerksamkeit und Kauflust zu stimulieren. Durch eine zeitbegrenzte Möglichkeit kann jeder das aktuelle Blatt zum Festpreis von 250 Euro erwerben und als Schnellstbietender besitzen. Ansonsten können die Kunstwerke nach Kontaktvermittlung bei den Künstlern direkt zu marktgerechten Preisen erworben werden.

Peter Freitag arbeitet mit Vorhandenem, Werbeseite aus Hochglanzmagazinen denen er seinen eigenen Bildkosmos auferlegt, ja aufzwingt. Er verwischt und schmirgelt die Bilder manchmal bis zur Unkenntlichkeit, lässt die Models bestenfalls noch durchscheinen, zerschneidet und zerstört sie, zwingt diese durch seine präzisen Schnitte in ein neues Bild des Menschen hinein. Portraits der Jetztzeit, abstrakt, gemustert strukturiert, surreal, manchmal madonnenhaft erhalten sie eine völlig neue Aura. Peter Freitag (*1972 in Ochsenfurt) studierte von 1994 bis 2000 an der Berliner Universität der Künste (UdK) bei Prof. Herrfurth. 1998 studierte er an der University of Illinois at Chigago/School of Art and Design (UIC). 1997 bis 2000 erhielt er das Förderstipendium des Cusanuswerks.

Ruprecht Drehers wesentliche künstlerische Arbeit ist der abstrakten Malerei gewidmet, wobei die Farbe und ihre Materialität im Vordergrund steht. Er untersucht ihre Entfaltung auf Grund, Form und Körper, als physische Kraft und in ihrer Objekthaftigkeit. Seinen Arbeiten liegt ein dialogisches/dialektisches Bilden zugrunde; Gegenseitiges, Gegensätzliches ruft sich hervor und bedingt sich: davor/dahinter; alt/neu; positiv/negativ; stumpf/glänzend. Die Oberfläche wird zur Topographie. Seine Arbeiten werden zuweilen gedeutet als abbild-abstrakte (aber gleichzeitig material-konkrete) Narration. Ruprecht Dreher bearbeitet jeweils ein schwarzes Blatt Papier im verabredeten Format. Seine traumwandelnde Linie umfasst die gesamte Fläche verlustfrei. Jedes Detail findet neben seiner positiven anderswo seine negativ geformte Entsprechung und gestaltet die erzählende Silhouette, die von Werk zu Werk erheblich in Breite und Höhe variiert. Jenseits des Erkennbaren interessieren ihn Schnittlinienphänome, z.B. Gedanken über die Teilhabe der Linie am Diesseits und Jensseits des Ganzen. Ruprecht Dreher (*1951 in Grünstadt/Pfalz) studierte von 1971bis 1978 bei Joseph Beuys an der Akademie Düsseldorf. Seit 1978 lebt und arbeitet er in Berlin.

Alle bisher beteiligten Blattformer-Künstler: Marcus Bjernerup, ?Michel Carmantrand, Klara Cho, Ruprecht Dreher, Peter Freitag, ?Varda Getzow, Laurence Grave, Thomas Jocher, Vanessa Lamounier de Assis, ?Kristi Malakoff, Jumoke Olusanmi, Jakob Roepke, ?Manuel Salvat, Marco P. Schaefer, ?Carsten Sievers, Heidi Sill, ?Ross Walker, ?Ila Wingen, ?Michaela Zimmer.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 9. Oktober 2014 bis 22. Dezember 2014 – täglich 24 Stunden.
obere Passage zwischen Buchhorn- und Romanshorner Platz

Peter Freitag
"Papercuts"

Rupprecht Dreher
"o. T." 

Im August und September ist – wie kann es anders sein – der Sommer das Thema, mit all seinen Vergnügen… blendende Sonne, Wärme, Wasser, lange helle Abende am See in Strand-Bars, Ferien, Wassersport, Wanderungen. Die Jahreszeit aber auch einhergehend mit einer gewissen Trägheit, vieles gelassener, laisser-faire.
Die Arbeiten der beteiligten Künstler erzählen davon, mit den unterschiedlichsten Medien und Arbeitsweisen, in verschiedenen Stilen, Malerei, Fotografie, Performance, Collage und Assemblage.

Katrin Hoffert zeigt eine klassische Szene am Meer, eine Frau im Liegestuhl, die bei genauerer Betrachtung ins surreale psychedelische kippt, wenn die heisse Mittagssonne unsere Sinne verwirrt. Das Motiv stammt von einer ihrer Reisen.
Eine wundervolle Kunstaktion, „die Wanderausstellung“ wurde von Katrin Kampmann mit Freunden unternommen. Sieben Tage wurden kleine Gemälde offen auf dem Rücken von Hütte zu Hütte getragen, auf dem „Berliner Höhenweg“, mit abendlichen Vernissagen. Die Performance wurde fotografisch dokumentiert und umfasst somit drei unterschiedliche Medien. Es ging dabei um kunstrelevante Fragen nach Präsentation und Wahrnehmung. Ihre Motive stammen aus Heimatfilmen, Werbung oder privaten Fotoalben (der 50er / 60er Jahre).
Einen Bruch mit dem klassischen Kunstbegriff begeht Ingo Gerken mit seiner konzeptionell geometrisch abstrakten Arbeit. Ein Objet Trouvé macht den erweiterten Bild- und Malereibegriff sichtbar. So wird ein Bikini – wohl eines der Sinnbilder des Sommers – zum Kunst-Bild-Objekt.
Ebenso nicht ganz im klassischen Kunstbegriff schafft Karsten Konrad seine Werke aus recyceltem furnierten Möbelholz und Metallteilen – hier das Reliefbild eines Sonnenuntergangs inclusive Spiegelung auf dem Wasser. Ein weiteres Bildobjekt zeigt abstrahierte Segelboote, ursprünglich ein Schild mit Pfeil.
Materialcollage ist auch ein Medium von Hubi W. Jäger (Betreiber der Vitrine-FN). Auch er zeigt eine Variation eines Schiffes, aus Strandgut vom Bodensee zusammengefügt, ebenso wie die gezeigte Seelandschaft. Darüber hinaus gibt es von ihm eine fotografische Serie vom sexuell aufgeheizten Leben im sommerlichen Berlin

Laufzeit: 14.8. – 10.10. 2014 – täglich 24 Stunden sichtbar

Ingo Gerken
"o. T."

Katrin Hoffert
"Dicke Frau auf Ischia"

Katrin Kampmann
"Strike a Pose / die Wanderausstellung"

Karsten Konrad
"Sonnenuntergang"
"o. T."

Hubi W. Jäger
"Sex"
"Segelboot"
"Bodenseelandschaft"

Im Juni und Juli kennen wir alle nur noch ein Thema: die Fussball-WM. In dieser Zeit, pünktlich zum Start, zeigt die Vitrine-FN Arbeiten zum Thema.

Roland Fuhrmann, bildender Künstler und ein passionierter Zeppelinforscher, steuert eine konzeptionelle Arbeit bei. Er stieß auf Zeitungsfotografien und weltweit veröffentlichte Artikel zum englischen Pokalfinale 1930, als ein Zeppelin nach dem 1. Weltkrieg erstmals wieder nach London kam und auf Wunsch des englischen Königs, der sich natürlich das Fußballspiel ansah, das Wembleystadion überflog, stehen blieb und sich „verneigte“. Die Zeppelin Begeisterung prallte auf das brodelnde Fußballfieber im Stadion. Wie dies ausging und wer gewonnen hatte erfahren wir aus den Zeitungsartikeln.
Zwei dieser Fotografien und einige Artikel werden in der Vitrine-FN gezeigt.

Einen grossen Print aus der Serie "Illuminationen" zeigt
Hubi W. Jäger, Fotografie – völlig abstrakt (die dazu gehörige Fassung als Malerei befindet sich in der Kunstsammlung des Bundes-Innen-Ministeriums). Es zeigt den Pariser Platz mit dem Brandenburger Tor im Hintergrund zur Zeit der WM 2006 – dem Sommermärchen. Auf dem Platz der nächtlich beleuchtete Riesen-Fussball-Globus von Andre Heller.
Durch seine Art der "Illuminisierung" mittels Fotokamera erstrahlt die gesamte Szenerie abstrakt in einem neuen Licht und neuer Gestalt.
Dazu sind noch einige weitere Fotografien aus der Serie zu sehen – von dem Fancorso am Kudamm in Berlin nach dem Gewinn des 3. Platzes des deutschen Teams bei der WM 2006 und der EM 2008, als Berlins Türken in Kreuzberg den Erfolg ihres Teams mit einem Corso enthusiastisch feierten.

Laufzeit: 12.6. – 10.8. 2014 – täglich 24 Stunden sichtbar

Roland Fuhrmann
"Zeppelin-Finale"

Hubi W. Jäger
"Illumination 195f"

Pia Linz – Thomas Hauser – Gerhard Mantz –
Vitek Marcinkiewicz – Markus Wirthmann –

Natur – die Grundlage allen Lebens, deren Teil wir sind, so selbstverständlich, dass wenige darauf achten und sie schützen. Wir benutzen sie, beuten sie aus, kultivieren, gestalten und verändern sie nach unserem Gutdünken bis zur Zerstörung. Unendliche Diskussionen, wissenschaftliche Analysen, theoretisches Verständnis, aber real bestimmen kommerzielle Zwänge und setzen sich über Erkenntnis, Einsicht und Notwendigkeit hinweg.

So kommt es dass Künstler ihren eigenen, speziellen Blick darauf werfen, damit arbeiten, sie ebenso benutzen und bearbeiten, allerdings auf ganz andere Art und Weise. Das reicht von traditioneller Landschaftsmalerei, den „Landart Projekten“ mit Eingriffen in selbige seit den 60er Jahren, zu verschiedensten heutigen Ansätzen.
Diese reichen von akribischen Bestandsaufnahmen im meist urbanem Umfeld mit soziologischem Blick auf den Topos, zu Umdeutungen und eigenen Interpretationen, Horror und Fiktionen. Nature Morte wird gedeutet, bildlich umschrieben und dargestellt, uns vor Augen geführt. Wir finden Nachahmung und künstlerische Annäherung, auch als kritischer Ansatz zum Verständnis der Welt und der Zusammenhänge oder auch humorvoller Art. Bis hin zu „künstlichen Welten“ die virtuell am Computer entstehen, uns vor der Zukunft fasziniert erschauern lassen. Zwischen Schönheit und und Technikkritik, denn Pixel können wir nicht essen.

Davon erzählt die Ausstellung in zwei Teilen.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 3. April 2014 bis 10. Juni 2014 – täglich 24 Stunden.
Teil 1: 3.4. – 7.5.14
Teil 2: 8.5. – 10.6.14

Pia Linz
"Schillerpromenade"

Thomas Hauser
"0159" (aus der Serie "India")

Gerhard Mantz
"Ground"

Vitek Marcinkiewicz
"Tsingtao Trip"

Markus Wirthmann
"o. T."

Peter Rösel
"Feigenblatt"

Matias Bechtold, Thomas Böhmer, Karsten Konrad, Kai Mailänder, Gerhard Mantz, Nicole Nickel, Katja Pfeiffer

Künstler haben zu jeder Zeit ihre Phantasie spielen lassen und somit „neue“ Welten erfunden, gemalt, gezeichnet, gebaut, utopisch, visionär oder surreal, irreal.
So auch heute – trotz des allseits verbreiteten (halb)dokumentarischen Arbeitsansatzes. Die Ergebnisse sind neuerschaffene Szenarien, realistische ebenso wie surreale oder narrative Welten. Jeder der in der Vitrine-FN gezeigten Künstler hat seinen eigenen Weg dorthin gefunden. Diese unterschiedlichen Ansätze, Möglichkeiten und Techniken präsentiert die Vitrine-FN mit den ausgestellten Werken.

Matias Bechtold – Schöpfer des wunderbaren „Friedrichshafen im Zeitenwandel“-Modells im Zeppelinmuseum und bereits zum zweiten Mal beteiligt – baut ganz realistisch die kleine „Kuchenfabrik Böhmer“ in Modellbauweise aus Karton. Diese ist eine narrative Hommage an den zu früh verstorbenen Künstler und Freund, der zwischen Kunst, Design und Kuchenbacken bzw. Kochevents wanderte, ganz im Beuysschen Sinne der Einheit von Kunst und Leben. So ist dieser Modellbau aufgeladen mit vielen Erinnerungen ebenso wie mit Ansätzen der Kunstgeschichte und behauptet sich als autarkes Kunstwerk.

Eben dieser Thomas Böhmer ist mit einem seiner absurden surrealen Stuhlobjekten vertreten. Dieses bewegt sich im weiten Feld zwischen Design und Kunst, bedient sich an Gestaltung wie auch am Surrealismus, lässt uns schmunzeln und staunen. Es erzählt vom „erweiterten Kunstbegriff“ im Leben des Künstlers.
Nicole Nickel arbeitet an den Möglichkeiten des Bildes, der Frage was heute Bild und Malerei bedeuten kann. Auf den ersten Blick ein farbiges abstrakt geometrisches Relief entpuppt sich das Bild-Objekt als realistische Umsetzung eines „fotografischen“ Blicks auf Architektur. Sicherlich aus ungewöhnlicher Perspektive bzw mit den fotografischen Verzerrungen der Perspektive. Eine doppelte gebaute Welt.
Dem Anschein nach relativ ähnlich sind die Arbeiten von Katja Pfeiffer. Allerdings offenbaren sie einen völlig anderen Ansatz, nämlich den Blick unter die Oberfläche, hinter die Fassade und lenkt unsere Gedanken somit auf damit zusammenhängende Fragen. Da gibt es Baustellen, Stützen, Umbau, Altes und Neues zusammen, Verdecktes und Offenbartes – fast wie im „echten“ Leben. 

Einen spielerischen Ansatz verfolgt Karsten Konrad, auch zum zweiten Mal dabei. Man denkt unwillkürlich an Bauklötzchen, an kreatives Spielen hin zu architektonischen Visionen. Sein Material sind ausgediente Möbelteile, funiert oder lackiert in starken Farben, zersägt und neu zusammengesetzt – Collage und Puzzle. Die Idee von Recycling, Umwertung und auch Geschichten unserer eigenen Vergangenheit spielen bei der Betrachtung seiner Werke eine Rolle, kommen uns in den Sinn. 

Kai Mailänder arbeitet mit vorgegebenen Bildern, Fotografien, auch Magazinen entnommen, die in einem architektonischem Kontext stehen, Häuser, dörfliche Situationen aus vergangener Zeit. Diese verändert er durch Eingriffe zeichnend, malend, schneidend und neukomponierend. Dadurch sehen wir mit völlig neuem befreiten Blick auf Vertrautes, Heimat und ästhetische Schönheit. 
Völlig künstliche neue Welten kreiert Gerhard Mantz. Er führt uns in seinem Video virtuell durch einen wilden Dschungel, paradiesisch. Doch jedes einzelne Blatt, jede Blüte, jeder Pixel ist künstlich am Computer geschaffen, illusionistisch zu einer eigenen Welt zusammengebaut. Unglaublich mit welchem Aufwand von ihm bewegte „begehbare“ Welten geschaffen werden. 

Wahrlich künstlerisch künstlich gebaute Welten!

Die Ausstellung ist zu sehen vom 5. Juli 2013 bis 20. August 2013 – täglich 24 Stunden.

Matias Bechtold
"Backfabrik Böhmer"

Thomas Böhmer
"Stuhl"

Karsten Konrad
"o. T."

Kai Mailänder
"o. T."

Gerhard Mantz
"Der Freundschaftsdienst"

Nicole Nickel
"Konstrukt"

Katja Pfeiffer
"Wappen II" 

Das Portrait ist wohl eines der ältesten Genres in der Malerei. Es hatte viel mit dem Selbsterkennen und der Entwicklung des Individiums zu tun.
Auch heute beschäftigen sich viele Künstler nach wie vor mit Portraits. Aber heute ist ein Portrait nicht mehr blosses Abbild im klassischen Zusammenhang von Repräsentation der Macht und des (Wohl-) Standes zu sehen, sondern in einem erzählerischen Sinne, dient auch der Entlarvung historischer wie heutiger undemokratischer Elitenbildung und Strukturen, wobei das Bild zum Informationsträger wird und unsere eigenen Gedanken und Erinnerungen herausfordert. Mal konkret erkennbar zum Beispiel als Zitat oder in De/Collagen, dann wieder abstrakt, gar ausgelöscht oder surreal verzerrt, verfremdet, kombiniert mit Anderem, anderen Bildern, Aneignungen aus Werken anderer Künstler, mit Text.
Das Portrait heute ist also zu einem Spiegel der Zeit, des Zeitgeistes, der Umstände und der Gesellschaft geworden. Wir können die einzelnen "Schichten" analysieren, erkennen und für uns deuten. Das zu Sehende führt idealerweise zu weiterreichenden politisch-gesellschaftlich relevanten Fragen, vielleicht Erkenntnissen und Einsichten.

Wolfgang Betke malt Portraits, danach beginnt er diese wieder zu zerstören, auszulöschen, schleift die Malschichten ab, reduziert, abstrahiert, um sie wieder zu malen und wiederholt diese Prozesse vielmals bis zur partiellen Zerstörung des Bildgrunds. Man könnte sagen er reist in seiner Arbeit durch geschichtete Zeit. Es entsteht ein "leeres" offenes Portrait, vielleicht die Idee eines Portraits, einem halbverwitterten Fresco gleich. Als Projektionsfläche für jeden Betrachter wird man in die Anonymität und unsichtbarem Nebeneinander unserer urbanen Lebensräume gestossen, gesichtslose verlorene Menschen, erkennbar an modischen Accessoires und Attributen.

Peter Freitag arbeitet mit Vorhandenem, Werbeseite aus Hochglanzmagazinen denen er seinen eigenen Bildkosmos auferlegt, ja aufzwingt. Er verwischt und schmirgelt die Bilder manchmal bis zur Unkenntlichkeit, lässt die Models bestenfalls noch durchscheinen, zerschneidet und zerstört sie, zwingt diese aber durch seine präzisen Schnitte in ein neues Bild des Menschen hinein. Portraits der Jetztzeit, abstrakt, gemustert strukturiert, surreal, manchmal madonnenhaft erhalten sie eine völlig neue Aura.

Auch emess, der Kunst studiert hat sich aber in der Streetartszene bewegt, daneben auch eine Galerie für Streetart führt, eignet sich "fremde" allzu bekannte Bilder und Portraits an. Er bearbeitet diese im Stil der Popart und Punk, grellen Farben, (Sieb-) Drucken und collagiert sie mit Schrift und allgemein verständlichen Zeichen. So schafft er neue Interpretationen und Zusammenhänge und lässt unseren Erinnerungen und Verknüpfungen Raum.

Bei Hubi W. Jägers Arbeit handelt es sich um "wieder"-gedruckte Ausschnitte aus zerfetzten "wild" geklebten Plakatwänden (wie es sie in Friedrichshafen kaum gibt) die jeweils ein Portrait ergeben. Abstrakte Vexierbilder zwischen Bild und Information. Die einzelnen Elemente stammen aus den verschiedenen Schichten der ursprünglichen Plakate, Informationsträger, Übermittler aus Musik, Konzerten, Raves, politischen Veranstaltungen und Demoaufrufen – eher aus dem "Underground" und jenseits des üblichen Werbekommerzes. Diese Portraits vermitteln neben dem ästhetischen Bild den Geist und die Anliegen der Zeit.

Das ausgestellte "mehrfache" Portrait von Britta Lumer, Tuschmalerei, verweist auf ein ganz anderes Genre, den Film. Ihrer Arbeit gelingt es die Zeit und Bewegung einzufrieren, Hauptmerkmale des Films, diese wie Filmstills in einem Bild übereinander zu schichten und festzuhalten.

Cornelia Renz arbeitet sich an der Geschichte ebenso wie an Mythen und Märchen ab. In dem ausgestellten Werk wiederum geht sie von ihrem Selbstportrait (als Mädchen) aus und verflicht sich und ihre Geschichte mit dem alten etwas bösen Kinderlied von den "10 kleinen Negerlein" – versetzt diese Gruselgeschichte in eine weibliche Welt zu "10 kleine Mädchen" – die sich ganz machomässig abschlachten und gemeuchelt werden bis die letzte Harikiri begeht. Sie interpretiert Geschichte und Geschichten um und neu.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 28. Januar 2013 bis 7. Mai 2013 – täglich 24 Stunden.

Wolfgang Betke
"here's looking at you kids"

Peter Freitag
"Papercuts"

emess
"Inflatable Queen"

Hubi W. Jäger
"Strassenportrait 1-98"

Britta Lumer
"Dreh"

Cornelia Renz
"today I shot one horse

Nach dem „verpassten Weltuntergang“ im Dezember, nun im Neuen Jahr, was kann es für ein anderes Motto geben als  „Es werde Licht“!
Ein Ruf an die Sonne, unsere Lebensquelle, gegen die Dunkelheit wiederzukehren.

Licht ist ein Medium in der Kunst seit Moholy-Nagys „Lichtraum-Modulator“ von 1930. Oder denken wir an die 60er Jahre, an „Zero“ zurück, Künstler wie Adolf Luther, Heinz Mack, Otto Piene, die grossartig mit Licht und Bewegung und den verschiedensten Materialien wie Aluminium, Spiegel, reflektierenden Oberflächen, halbtransparentem Plexiglas experimentierten und damit unsere Sicht auf die Kunst ebenso wie auf die Welt nachhaltig veränderten. Unser Blick war nicht mehr statisch gebunden sondern mit Bewegung, Veränderung, Perspektivwechsel und selektiven Ausschnitten unserer Umwelt konfrontiert, was auch zu Veränderungen, Öffnung des Geistes in unserer Gesellschaft führte.
Nur wer sich bewegt erkennt Neues.

Mit dieser Ausstellung, im kleinen Rahmen der Vitrine-FN gehe ich der Frage nach, wie Künstler heute, 50 Jahre später, mit dem Medium „Licht“ umgehen, wie sie es benutzen und wie die Resultate heute aussehen.

Von Ferne schon wird unsere Aufmerksamkeit von einem leuchtenden, hüpfenden Ballon gefangen genommen. Frederik Foert arbeitet mit vorhandenen alltäglichen Dingen und Materialien, manchmal fast kitschig trashigen Objekten, sozusagen „ready mades“, die er zu ungewohnten Kombinationen und Aktionen fügt. Damit führt er unsere Erwartungen an die gewohnten Dinge und somit auch unser Weltbild ad absurdum. Hier ist es eine chinesische Ballonlampe die uns entgegen ihrer Bestimmung hüpfend zum Lächeln bringt, völlig absurd um unsere Aufmerksamkeit in einer mit „Bildern“ überladenen Umgebung kämpft, stellvertretend unseren Blick aus die Kunst lenkt.

Annika Hippler „malt“ richtiggehend mit Licht, konkret Lasern, und verzaubert uns durch ihre grossen Installationen, entführt uns in andere Welt-und Raumrealitäten. Die Idee der Illuminierung der gesamten Spiegelpassage mit Lasern, Folien, Spiegeln, Wasser und Wind, um sie in eine Zauberhöhle zu verwandeln, konnten wir leider nicht realisieren, da sie momentan als Stipendiatin in Moskau weilt. So sehen wir eine Leinwandarbeit, eine Lichtmalerei die sich durch Bewegung und Luftzug verändert und lebt.

Absolut kontemplativ sind die Arbeiten von Jakob Mattner. Wo Licht ist, ist auch Schatten, Zwielicht, Übergang, Vergänglichkeit. Er zeigt ein anderes Bild der Objekte das uns Fragen stellt nach unserer Existenz und lässt uns erkennen, dass nichts einfach, schwarz und weiss ist, sondern von Nuancen lebt, den feinen Tönen, dem Dazwischen, Dahinter, Davor und all den Zusammenhängen. Im hier gezeigten Lichtdruck, einer alten kaum mehr praktizierten Technik zum direkten Abbild, der das Objekt selbst mit seinem feinen Schattenwurf zeigt, leben seine „ Licht-Glasobjekt-Schatten-Installationen“ intensiv als abstrakte atmosphärische Bilder, ja Zeichnungen wieder.

Im Video von Oliver Pietsch fliegen wir über den Wolken, Wolkenbergen und Abgründen zur Sonne, zum Licht. Erhaschen Strahlen die durchbrechen, lassen uns blenden und erfreuen in der dunklen Zeit, zum Song "Because" der Beatles. 
Der Künstler nimmt diese Bilder nicht selbst auf – er schnipselt seine Filme aus dutzenden, hunderten Kinofilmen, bekannten Blockbustern bis Undergroundfilmen, zusammen, je nach dem selbst gestellten Thema, mal kürzer und narrativ wie hier in „Because“, mal episch in Spielfilmlänge, mal enzyklopädisch. Verblüffend allemal.

Das Video von Hubi W. Jäger zeigt eine animierte Bildfolge seiner „Illuminationen“, Fotografien inszenierten Lichts, Spiegelungen, Reflektionen, Brechungen realer Situationen. Diese abstrakten Lichtbilder wurden in mehreren Schritten weiterverarbeitet und zum Taumel im Loop zusammengeschweisst. Eine Hommage und Verbeugung vor Licht und Farbe.

Die Ausstellung ist zu sehen vom 18. Januar 2013 bis 26. März 2013

Frederik Foert
"o. T."

Annika Hippler
"o. T. / Laserpainting"

Hubi W. Jäger
"Illuminations-Video"

Jakob Mattner
"Schatten"

Oliver Pietsch
"Because"

Diese Ausstellung nimmt sich ein spezielles Feld der Abstraktion zum Thema – geometrische Arbeiten. Man kennt solche Werke beispielsweise aus der Farbfeldmalerei, Hard Edge, OP Art und Zero, Kunst der 50er – 70er Jahre.
Heute gibt es eine Reihe von Künstlern, die diese Themen – Farbe und Raum, Ornamentik, Reihung, Vorbild – Nachbild, Wirkung auf Auge und Bewusstsein – wieder aufgreifen. Die einen eher traditionell malerisch, andere in Verbindung mit "zeitgenössischen" Materialien wie Folien, Plastik, Vorgefundenem, sogar Recycling oder Fotografie, was über die klassische Malerei weit hinausgeht. Für diese Künstler ist es ein Spiel mit Material und dessen verborgenen Qualitäten, mit vorhandenen (Ab-)Bildern, ein Spiel mit Wahrnehmung und Suggestion. Aber ebenso geht es um kunstphilosophische Fragen und Gedanken zu Ähnlichkeit und Differenz, Abbild und Original, zu Wirkung von Kunst auf den Menschen und dessen Reaktionen.

So spielt Markus Beer mit Malerei und Zufall, arbeitet gestisch spontan und experimentiert mit Farbe und Werkzeug. Er erzeugt "Farbexplosionen" aber auch strenge "Spuren", fast wie im Schnee. Darüberhinaus arbeitet er auch figürlich.
André Butzer, ein international etablierter Künstler ist als ein klassischer Maler zu bezeichnen, der seine Motive immer wieder neu und anders erfindet. Manche Betrachter erinnern diese an Kinderzeichnungen, "sein Universum" ist jedoch wesentlich komplexer.
Der Künstler DAG kommt ursprünglich aus der Streetart und Technoszene, benutzt digitale, technoide Zeichen und Logos sowie wie Pixel oder druckgraphische Elemente um damit rhythmische Muster zu erzeugen. Doch nicht einfach glatt, sondern mit "Brüchen, Fehlern", so wie die Welt eben ist. Neuere Arbeiten lassen an impressionistische Landschaftsmalerei denken. Er sieht sich an der Schnittstelle zwischen Pointillismus und (technoidem) Minimalismus.
Lisa Endriss ist scheinbar am ehesten als klassisch-moderne Malerin erkennbar. Sie legt mit unterschiedlichen Arbeitstechniken Farbspuren neben und übereinander, lässt diese sich durchdringen und erzeugt Räume der Imagination. Mithilfe der Doppelung der Bilder stellt sie Fragen nach Ähnlichkeit und Differenz, Vorbild und Abbild. Sie fordert unseren Blick heraus und schickt ihn auf Entdeckungsreise.
Fotografie ist ein Hauptmedium von Hubi W. Jäger das er in mehreren Serien benutzt um Bilder im Sinne von Malerei zu erarbeiten. Hier aus dem riesigen Bilderkonvolut "Berlin-Absurdistan" – zersplittertes Glas und Klebebänder ergeben einen abstrakten Bildraum, mit darin erkennbaren Spiegelungen der Umgebung.
Klaus Jörres wiederum spielt mit unserer Wahrnehmung, unseren Sinnen, in dem er im Sinne von OP-Art (meist) schwarz-weisse Muster endlos wiederholt und damit unser Auge flirrend verwirrt und die Bilder somit in Bewegung versetzt, vielleicht sogar uns selbst.
Der Professor der UdK Berlin Karsten Konrad geht vielleicht am radikalsten an das Thema Bild und was dieses heute sein kann. Neben seinen bekannten Skulptur-Collagen baut er aus schmalen recycelten Holzleisten geometrische Bilder, Reliefs. Diese Streifen zeigen ihr "vorheriges Leben" durch die unterschiedlichsten Oberflächen – Resopal, Funier, Lack oder auch die Struktur von Spanplatten – ebenso wie durch unsere Erinnerung an Dinge. Er bringt uns Style, bevorzugt spielt er mit den 50er Jahren, Kurzlebigkeit von Waren und unser Konsumverhalten ins Gedächtnis.
Der indonesische Künstler Yudi Noor arbeitet mit transparenten Folien, Fotografien, Zeitungsausrissen und anderen Materialien, oftmals gesammelt auf seinen Reisen, die er übereinander schichtet und durch Zuschnitte illusionistische Räume erzeugt, in leuchtenden warmen Tönen.
Bernd Ribbeck ist im Grunde Zeichner der mit Hilfe von Farbstiften strukturierte Flächen nebeneinander setzt und dabei kristalline kaleidoskopische Bilder und Welten generiert die schon fast eine sakrale Atmosphäre entwickeln. Manch einer denkt an Paul Klee.
 

Die Ausstellung ist zu sehen vom 20. Juli bis zum 15. August '12.

Markus Beer
"o. T."
André Butzer
"Henry Butzer: N-Hölderlin"
DAG
"o. T."
Lisa Endriss
"Doubles"
Hubi W. Jäger
"Berlin-Absurdistan: Fenster1-4"
Klaus Jörres
"o. T."
Karsten Konrad
"o. T."
Yudi Noor
"create a new painting in the dessert"
Bernd Ribbeck
"o. T."